Linda Chen Art 陳岳琳
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​"我們藉寫作而品嚐人生兩回, 在當下和回顧過往."
"We write to taste life twice, in the moment and in retrospect."  ​— Anais Nin

​

​畫說人生 | Writing

I write about my personal life experiences and how they relate to my art.  Most of my writing is in Chinese (some translated into English).  For blog updates via Facebook, follow me here.

從我的畫作延伸,寫下我的人生經歷。
​若想用臉書追蹤閱讀“畫說人生”請由此進。

生命如華

29/8/2014

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這幅40X40 的畫 從2003年的夏天開始畫 一直到母親過世後半年才完成 前後八個月 失神的日子 常坐在畫架前不知如何繼續 我是如此的想念母親 畫裡絢爛的繡球花 有母親最愛的紫色 多變的色彩呈現不同的生命形態 背景原是灰黑藍相襯 彷彿是寒冬時期我喪母的心情 我想母親不會希望見到我的沮喪 她一向是個開朗活潑的人 生命如華 終有歸於塵土的一天 我要畫一幅母親的心情 用鮮明活潑的色彩來表現 畫中有花 花中有生命 生命中有喜悅與感謝 這才是我母親想看到的. 於是整幅畫有了新的顏色

我的母親生前極喜愛花. 種花買花插花在她的生活裡是件必須品. 她說花是屋子最佳的飾物, 因為花有生命.

不論我們住小屋或換大屋, 屋裡屋外的某個角落一定有花點綴著. 它們的美麗或是掠取了你的目光, 或是在不經意間跳入你的眼簾. 有時屋子因一盆花而生輝, 有時它只是陪襯著一屋的寧靜. 我在母親的花花世界中長大, 不知不覺間我有了讀花的心情.  不同的花朵綻放著不同的容顏: 小時讀花只為花本身; 強說愁的青少年時期,花是詩是語. 一直到大了, 我才從花中讀出母親的心情. 比起一大簇花喧囂爭豔的插在一起,母親似乎更欣賞一支獨秀的美, 那麼的寂寞與顧盼生姿. 是母親的心境吧! 我想.

印象中她的相片裡大多有花一起入鏡, 彷彿是為了花才興起照相的念頭. 她的笑顏與花相陪襯, 是滿足與欣喜的表情. 母親愛花,她總說人生如花開花落, 每個階段都美. 花苞是喜悅;含苞初放是期待;盛開是驚豔;枯萎是寂靜; 最後化作春泥更護花是另一個生命的開始. 對花要用心灌溉, 它才會用長得好來回報你. 比起花開花落的生命週期, 我更喜歡生命如滴水成源匯流入海之説. 我想我沒有母親的豁達, 我見到花朵枯萎凋零,心中還是不捨.

母親持續了幾年, 在週末大清晨 到龍江街花批發市場買幾大把的各樣的花,分贈給妯娌們.建國花市開始後我常陪她去閒逛, 因此早期對花的知識大多來自於母親. 母親對花沒有什麼偏好: 帶刺的玫瑰, 野生的薑花,孤挺的百合, 高雅的蘭花, 初春的杜鵑, 鮮艷的秋菊, 甚至山間小道旁的野花, 母親都愛. 但是病中的母親對蘭花有種特別的感情,可能她的體力漸衰, 而蘭花無須特別的照顧卻有持久的生命力.

在我們小孩成年後, 她就告訴我們: 若是她辭世, 請捐出她尚能用的器官, 然後火化她, 將她的骨灰撒在花壇裡做養料, 用盡她生命的全部. 這是她的心願. 母親走了,我們依她的囑咐, 不發訃聞, 一切簡化, 靈堂佈置得素雅溫馨. 用心香代替燒香, 親友們送上的蘭花盆, 伴著母親走入另一個世界. 但是母親火化之後並未如她的原意撒入花園, 一來是當時樹塟尚未立法通過, 二來父親曾與母親做最後的溝通. 希望將來兩人能放置在一起. 母親答應了!

多倫多盛夏到臨. 前後院爭豔的花讓我時時記起母親的容顏. 她去世前最後的幾張照片是父親為她在新店的家攝的, 一張在陽台前母親與俏麗的鳳仙花; 一張是在客廳與數盆不同顏色的蘭花合影.  母親初過世的幾個月, 我每次看著照片中的母親與花, 都不禁流下眼淚. 母親卻在照片裡頭笑容滿面的看著我, 母親的面容慈祥如菩薩, 散發著一股閒和氣定的智慧, 一如她身旁的蝴蝶蘭, 高雅謙和.

就像我的母親, 我也愛花. 我愛它們的繽紛色彩帶給這個世界無限的美, 也給予我和母親之間數不清的回憶. 她說生命如花, 我深信不疑 !

(感懷於母親逝世一週年)


Written in May 23.2004
Published in World Journal / 刊登在世界日報
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智慧一族

26/8/2014

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By Linda Chen, oil on canvas (2001)

    四月過完四十二歲的生日, 去做了年度眼睛健康檢查, 醫生告訴我, 根據目前三次的數據顯示, 我開始有老花眼的前兆. 當時心裡氾起一絲惘然, 無奈的對醫生說: 人過了四十歲以後, 許多有形無形的以前視為理所當然的”東西”, 都漸漸的流失, 先是皮膚的彈性, 體力, 視力, 然後是聽力, 荷爾蒙, 骨質密度和記憶力.  唯一有增無減的是體重.  女醫生連忙點頭附和, 指了指她前額冒出的白髮. 彷彿過了四十歲, 生命就唱起了時不我予的哀調.  不過為了表示我樂觀的思想, 便補充了一句: 還有智慧.

    對許多人來說, 四十二歲還年輕得很.  若以對人類生命週期的形容, 我才剛要踏入前更年期, 尚屬壯年, 離下一個生命週期尚有十年之遙.  套一句我五嬸的話: 女人四十一枝花, 尚有姿色可言, 過了五十, 就真是覺得自己老了, 人都半百了, 怎會不老.  中年以四十歲開始計算, 對多數人而言, 五十多正是空巢期的開始.  我第一次思索空巢期這三個字, 可回溯到六年前我到一個畫室中學畫, 一位從公職高階退下的中年太太, 她為了陪伴兩個即將離家念大學的孩子而暫居多倫多.  她的學畫動機來自一位老先生分享人生經驗的一席話, 這老先生說: 人在中年後應該花十年的時間來學習或培養一件嗜好或興趣, 以面對退休後的人生.  當時, 我尚是個少婦, 有兩個對父母言聽計從, 在身邊團團轉的孩童期女兒. 十年後她們就是上大學的獨立青年了, 我一向是“人無遠慮, 必有近憂”的信徒, 於是對這番智言謹記在心.

    我有五對叔叔嬸嬸及一個姑姑, 其中有三對結婚時是我當的花童.  三十多年來, 我眼看一個個堂弟妹們出生長大, 然後有的離家唸書, 有的結婚生子, 大家聚在一起時, 笑聲朗朗, 數十年不變. 唯一變的是外觀, 雖然大家都有一頭華髮和一圈與年輕時相差甚多的腰圍. 可是我總不覺我這些叔叔嬸嬸們老.  其實在過去的十多年中, 他們都經歷過父母親辭世的傷痛, 也放手讓下一代自主獨立, 及生命中無可避免的軀體的衰老, 或是從職場上退下的不捨, 是不折不扣的空巢一族.  他們的空巢期並不影響他們的人生觀, 他們總是很忙, 忙於事業忙運動忙著做義工, 一得空閒手足妯娌們就聚在一起陪退休的大哥, 也就是我的父親打麻將, 吃飯聊天.  一群年齡加起來幾百歲的空巢族, 以前碰面都比誰的高爾夫球桿數少, 現在比的是誰的頭髮更白了或誰吃的藥多. 

    周遭比我年長的朋友, 一個個步入空巢期, 有的感慨年華似水一去不返, 有的傷嘆養兒不期望防老的覺悟, 但不論是無奈是抱怨, 嘴巴上說的和心裡想的似乎都不影響他們漸漸在享受人生另一個階段的事實.  包括, 一:比較好的親子關係:  歷經孩子青春期的反抗成長, 待子女離家唸書或獨立後, 父母眼中永遠的小孩都變得懂事成熟多了, 此時父母似乎都能承認小孩長大, 兩代之間能以朋友之道相處, 親子關係自然變得較以前好.  二是: 比較健康的生活習慣, 人過中年, 漸感體力不如以往, 偏偏又容易發胖, 加上生理時鐘的老化, 為了健康和不服老, 大家都會勉強自己少吃多動.  朋友中, 因為養成運動習慣而治好長期毛病的大有人在.  活動活動, 人活著就是要動, 而且越老越要動, 利人利己.  三是: 比較輕鬆的生活態度: 雖然此階段身體偶爾有狀況, 但體力尚可, 時間比以前多, 容許自己做以前想做而沒做的事, 做義工, 學手藝和樂器, 運動, 旅遊, 養寵物, 寫文章等.  總結的說就是人生行至於此, 已經變得堅韌有智慧了, 凡事取捨有道, 處世能進能退, 走過許多的風風雨雨, 見過周遭的生老病死, 人生夫復何求? 平安健康, 十個中有九個如此回答, 另一個可能外加: 中個樂透彩也不錯!  歲月雖然無情, 但也算公平, 祂拿珍貴的智慧來交換.

    七十歲的母親常說: 人老了有三樣東西不能少: 健康, 金錢和朋友. 我想能加個興趣則更好, 所以多年來我習畫不斷, 至今已開過一次個展, 入選過數個參展, 也算聽老人言的意外收穫吧.  我問老媽: 那老伴和子孫呢?  她高深的說: 不是每個老人都幸運有人能靠的, 即使有, 你不去靠他們, 他們就靠過來了.  這回答, 有智慧吧!

Written in 2003.

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也是”心”事 / Sweet Heart

26/8/2014

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Sweet Heart. 14" X 11". Acrylic, nail polish and glitter on wood board.

上星期情人節前後,  鮮花糖果絨毛玩具和卡片上印著許許多多的甜言蜜語, 和各種不同的紅色系愛心 , 到處招惹著人們的視線. 這些溫暖人心的形狀, 令我想起去年此時一件有趣的作品. 繪畫課老師指定的創作風格, 這種風格叫 Cliché/Kitsch ( Cliche意指陳詞濫調老掉牙的一套  Kitsch是廉價俗氣 大量製造的東西).  我決定走豔俗的畫風,  從電腦檔案中找到這張我為了”現代藝術史” 準備的一系列照片.  我戴了幾頂假髮, 抓了幾個髮型, 做了不同的表情, 拿起相機對著自己左拍右拍, 其中拍出這樣一張誇張的照片. 現在看來頗讓我驚訝, 戴著發亮鮮藍假髮的女生半遮著臉淘氣瞇眼的笑著, 這是我嗎?

我只用了兩小時就把這幅14×11吋作品完成,  去了一趟美術用品店找點俗氣的靈感. 先看到一張粉粉紅紅畫滿心型的包裝紙, 買來一塊木板. 然後向Luba 借了她現有的兩個鮮藍和桃紅的壓克力顏料, 留下木板當底色, 用刮刀把心型隨手一刮, 再灑上亮光粉在髮上, 那就更豔麗了. 第二星期回來我把畫中女孩上了向女兒借來的指假油,  鮮黃色的蔻丹, 發亮的藍色娃娃頭假髮和在一旁跳動的愛心, 真是俗到夠力. 可是每個人都喜歡!  難怪 Kitsch 這詞會成為一種藝術品代表, 誰說藝術就必須跳脫世俗高高在上呢?

適逢情人節,  John Denver 的一首老歌 Perhaps Love 其中一段歌詞在歲月的記憶裡沉澱, 他說 “愛” 這東西…

對有些人來說愛像一朵浮雲
對有些人來說愛堅如鋼鐵

有人覺得愛是一種生活方式
有人覺得愛是去感覺
有人說愛就是堅持
有人說愛是要放手
有人說愛就是一切
也有人說愛是什麼 他們不知道

戴藍髮的女孩則想, 愛是酸甜苦辣混雜的滋味, 是糖果店裡的迷人的五彩顏色,  是各式可愛的心的形狀,  於是乎我就把這幅畫取名甜心!


February 24, 2012.

The words “Happy Valentine’s Day” were virtually everywhere last week.  And in every image…hearts!  This reminded me of a special art piece I did for a painting class. It was done in a style called “Cliché/Kitsch” that Celia, my teacher, had encouraged us to depict.  I used a magenta coloured wrapping paper with a heart-shape pattern as an inspiration, and a photo of myself in a blue wig, which I took for my Contemporary Art History class.  For that art history project, I’d worn a few different wigs and tried out some funky hair styles.  Then I made all sorts of expressions on my face and took photos from every angle.  I ended up using one of them for my ‘Kitsch-style painting’.  So in this painting, the subject is wearing a shiny blue wig, face adorned with a childishly playful smile.  I surprised myself – is that me?

The 14″ x 11″ painting was finished fairly quickly – within two hours – with acrylic and gel medium on wood board.  I had borrowed the bright blue and permanent rose acrylics from Luba.  I left the original wood surface as the girl’s skin tone, and scraped out the heart shapes in the background with a knife.   In the end, I sprinkled glitter powders onto the blue wig and painted the girl’s nails with real bright yellow nail polish, borrowed from my daughter.  When it was finished, I thought it portrayed the Kitsch aesthetic quite well, and I was happy when others seemed to love it!  No wonder Kitsch was able to become a unique  style of art – who said that art had to be conventionally ‘classy’ and hard to understand?

In light of the ‘Valentine season’, I have dug into the old memories of this blue-wigged lady, and have recalled a verse of an old song that I wanted to share with you.  It is sung by John Denver, called “Perhaps Love”, in which he ponders upon the idea of ‘love’ and its many sides…

Oh, love to some is like a cloud
To some as strong as steel
For some a way of living
For some a way to feel
And some say love is holding on
And some say letting go
And some say love is everything
And some say they don’t know


This song reminds me of how I feel that love can be a mixture of all different kinds of tastes and colours, just like sweets in candy store, which, during this month, all seem to be in the shape of a heart.  And so, I have called this painting  “Sweet Heart”.
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冬雪街頭 / Winter Spadina

26/8/2014

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Winter Spadina. Conté and Acrylic Ink on Mylar. 36" x 24"

這周末多倫多下了場不大不小的雪,  雪停後的市區車輪壓碾行人走過,  馬路上及行人道滿地冰雪泥濘,  濕滑難行.  我進了城到 Toronto School of Art (TSA) 做了一點功課,  然後去參加一個同學 Michael Stoeber 的首次個展開幕(他特有簡潔風格的抽象畫令人印象深刻),  一整天在 Spadina  和 St. Clair 兩條街附近遊走.

這樣的場景, 讓我想起到城中上課的第二個冬天 (2008年).  風雪一場接著一場,  舊雪未融新雪即到,  人行道連個水泥地都踩不著.  笨重的雪靴, 厚實的外套加上肩頭一個十幾磅的袋子,  在冰雪覆蓋的路上行走總是舉步唯艱小心翼翼.  以往常常追趕著510號的電軌車去趕搭火車,  在這個風雪不斷的寒冬我完全放棄了這個念頭,  我可不想摔斷腿和手.  嚴寒和風雪, 忙碌的課程和身體脂肪能量的消耗,  那個冬季課程結束時我足足瘦了五磅而不自知,  一條緊身牛仔褲當時瘦到幾乎穿不住.

我在那個格外辛苦的冬天,  有感而發的畫了一幅畫, 用硬碳筆和壓克力墨水在塑膠膜片上畫出我走到學校的必經路口( 就在Spadina 大道和 Adelaide 街交差點上).  我讓電軌車從雪水一片的馬路駛往一片春意花海的絲巾,  一條我保有了二十多年的日本絲巾把風雪中的城景包起來,  我的心頭在愉悅的黃色中暖和了起來.



February 13, 2012.
Yesterday was a snowy Saturday in Toronto.  I spent the whole day around the Spadina/St. Clair area and attended an art show reception at Galleria 814, which was displaying the work of Michael Stoeber.  It was a wonderful show that celebrated the uniqueness in his beautiful abstractions.

The road was covered in mud and slush. This made me recall the second winter I was attending TSA…It was a piercingly cold winter accompanied by relentlessly falling snow, and Spadina Avenue was coated in mucky snow over an invisible surface of ice.  Being in that weather, buried in winter wear and attached to a heavy bag filled with art supplies, had made me give up on the thought of chasing streetcar no. 510 to Union Station, since I didn’t want to break any of my legs or arms.  At the end of that term, I had lost 5 pounds due to a busy schedule and maybe due to the body fat I’d burned throughout such a freezing season!

During that time, year of 2008, I drew a city scene of the corner of Spadina and Adelaide Street.  It’s a 36×24″ drawing on mylar with conté and acrylic ink.  The silk flora scarf in the drawing is a beautiful piece that I had bought from Japan and is special to me, as I have kept it for over 20 years.  I wanted to wrap the gray gloomy sky and slushy roads with this scarf to help me get over that tough winter season, blanketing the coldness with a layer of spring warmth.
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托斯卡尼之旅 / A Trip to Tuscany, Italy

26/8/2014

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My swimming towel under the sunshine (watercolour, 15x30cm)

是否曾經看過”托斯卡尼豔陽下” 這部電影? 劇中情節溫馨感人, 風景美不勝收.  讓托斯卡尼(Tuscany)這文藝復興發源地, 義大利旅遊必經路線,  再次深坎人心!

很幸運我在七月有一趟托斯卡尼豔陽下之旅.  我們一行九位女子 從多倫多直飛羅馬,   再從機場開著兩部租來的手排檔小房車, 先想方設法的 塞滿十二件行李箱,  然後再擠進九個人,  一路聽著GPS的指引, 先上高速公路在群山中穿梭然後又在鄉野間迷途, 三小時後, 終於駛達我們的目的地Torrita di  Siena.   我們租了一間位於小山頭的鄉間莊園, Casa Bella 打算在這十天的停留時間, 畫畫閱讀休閒和出遊.

托斯卡尼的風光就如許多電影小說中形容的一樣, 秀麗而多變.  葡萄園和橄欖樹有次序的編排在遠近的山坡地上 形成獨特的托斯卡尼風光. 我們的莊園非常舒服, 是個兩層樓的鄉間紅磚建築,  一二樓分別有兩套餐廳,  八個房間 兩間廚房 四間現代化浴室 (這點讓我很滿意) ,  一個戶外平台 小泳池和小網球場.   泡在泳池中可以眺望四周美景, 坐在平台上可以欣賞日出日落月升月隱,  彷彿夢境般不真實.

以前我數次的造訪托斯卡尼都是走馬看花,  這次十天的定點停留, 終於可以好好的體會托斯卡尼的人情風味食物和陽光.

這次的旅行 大家都帶了戶外寫生畫具, 打算在造訪名勝之外 在莊園裡面做一些藝術活動.  我帶了一個已擠好顏料的防水調色盤 幾枝水彩筆和一本小的水彩畫紙及一點雜物.  同行的朋友們 有人帶了油料壓克力畫布 椅子畫架和遮陽傘,  陣容頗為嚴肅令我汗顏.

第二天是個熱天, 熱到超乎我的想像.  悠哉的吃完早飯, 我搬出我簡單的畫畫行頭開始第一次的戶外寫生經驗.  我挑了一個簡單的場景做為我的暖身練習 就著幾大盆鮮花開始著手.  每一次我把畫紙刷上一層水,  沒多少時間 炙熱的七月陽光便蒸發了紙上的水份,  同時從我的前額鼻尖 逼出滴滴的汗水.  若把太陽眼鏡挪開, 白花花的晴光便讓眼睛睜不開.  當我把握著我極限的耐力專注在調色和觀察物体時, 高調持久的聲音從左左右右忽上忽下的傳來. 這些蟲子圍繞著我飛行,  它們似乎沒什麼惡意只是好奇罷了.

它們的嗡嗡聲令我坐立難安,  我開始越畫越快 彷彿如此做便能擺脫這些蟲子.


在高溫的戶外寫生就好像打開一個攝氏三百度的烤箱迎面撲來的熱氣,  十分鐘後可以感到皮膚輕微的刺痛.  接下來的幾天我會擦上許多的防曬乳液才走入塔斯卡尼的陽光下.  我的水彩畫風因為這熱氣的逼迫 筆觸趨向大筆和簡單,  沒有細節的描繪 顏色直接而強烈.  第二天早上我望著二樓正門對面的一大片山坡地,  金黃色的牧草 點綴著幾點綠舒展在視野中,  我想把它收入我的15×30公分大的水彩畫簿,  於是我攤開兩頁成了30×30公分來作畫.  我印象最深刻的是我站的那個屋簷下不知從何處飛來數以百計的黑色小甲蟲,  狀似一粒粒西瓜子.  他們前撲後繼的飛入我的舉目所見舉手所觸之處,  彷彿眼前下起滴滴黑雨.

在我集中精神想一口氣畫完這眼前美景的同時,  我基於慈悲之心  一一挑出這群有自殺傾向的西瓜子飛機, 從我的調色盤裡 小水盒中, 還有刷溼的畫紙上 和我的頭和臉, 絲毫不敢有所遲疑讓它們得逞,  我胡想只要我想添加一點天然蛋白質, 只要嘴巴打開就可以了.  當晚 我望著端上桌的飯後水果,  那一片片鮮紅欲滴的西瓜上的一粒粒黑色西瓜子.  天啊!  那不就是早上與我常相左右那群可憐又可氣的小甲蟲嗎?  當下真希望我們吃的是無子西瓜!

戶外寫生對我是全新的體驗.   烈陽熱氣 惱人的蚊蟲 自己汗濕的雙手顏臉和身體, 有限的設備 和大自然考驗下我心理的退縮, 我了解了自己的能耐和限度,  而我是多麼的尊崇那些能在酷熱和酷寒的大自然裡完成大幅畫作的藝術家!  你能體會有多長的時間加拿大七人畫家和Tom Thomson 在攝氏零下三十度的冬天不停的創作出驚豔的寫生作品嗎?  那不僅須要強健的體能 還要有堅強的意志  加上高超的繪畫技巧.

至於我呢?  我對於那幾張小小的水彩速寫成品感到愉悅. 能在托斯卡尼 呼吸新鮮空氣,  挺著豔陽與不同種類的蟲子共舞並感動著舉目所及的美景, 這種種都是啟發我創作的生命力!


Have you seen the romantic and heartwarming film, Under the Tuscan Sun? I’ve had the chance to watch the movie, and recently, experience painting and drawing under the summer sun over there for a week and half this past July.  We, a group of 9 ladies, rented two small manual cars from the Rome airport, packed in more than 12 luggages, squeezed in all 9 of us, and drove all the way up to Torrita di Siena to our rented villa named Casabella (after getting lost in those hills multiple times on our way up).  The villa was on the top of hill, and there, we stayed for 10 days

The scenery was as beautiful as  shown in many movies.  The vineyards and olive trees line up in an orderly fashion on rolling hills, forming views unique to Tuscany.  Our villa was comfortable, where the construction reflected the local style, but also had modernized bathrooms.  It had an outdoor patio facing endless fields, and one small swimming pool where you can enjoy the fresh water and gaze into the hilly Tuscany landscape surrounding the villa.

In the past, I have traveled to Tuscany, but I was always on fast-paced schedules.  But in this particular 10-day stay in villa, I finally had the chance to get a taste of the real lifestyle of Tuscany, their culture, food, and sunshine.
One day, it was so hot, hotter than I could imagine.  I pulled out my watercolour palette and brush.  Every single time I coated a layer of water on my 15×30 cm watercolour paper, the surface dried out within a few seconds.  Since I haven’t painted watercolour for ages, and I have never done plein-air painting, I chose the flower pots as my warm-up practice piece.

When water disappeared from the surface of my paper, sweat dripped from my forehead.  If my sunglasses weren’t on, I couldn’t see anything.  While I did my best to focus on mixing colours and observing my objects, I heard humming from bugs that came around me from right and left.  So, I painted more and more quickly to finish my first outdoor watercolour painting.

How was the feeling of sitting outdoor and painting for half an hour?  It felt like having heat that comes at you when you open a stove at 450F degrees!  My skin started to feel the pinning pain from the sun after one short painting session.  For the next few days, I put lots of suntan lotion on before I went under Tuscany’s sun.  Even though it was so physically draining, I had to thank such unbearable sunlight for speeding up my painting.  My brushstrokes became large and determined without too much detail, and my colour mixing turned out simple and strong.

The next day, I painted the hill view standing in front of our front door, on the second floor.  It was a huge hay field that was entirely yellow and spotted green.  I had one small watercolour paper at 15×30 cm, and two pages opened to paint a 30×30 cm landscape.  I still remembered that there were hundreds of flying bugs that looked just like watermelon seeds.  They flew into my palette, my small water container, my wetting paper, and my face.

Around the same time that I intended to finish painting, I had to pick up those suicidal bugs from the container, the palette, the paper and my hair….I tried to save these little lives within no time.  I knew that if anytime I needed protein, the only thing I had to do was open my mouth.  That night, we had watermelon, and I couldn’t help but see those seeds as those poor flying bugs that kept me company when I painted that morning. OMG!  I had wished that we had seedless watermelons!
Plein-air painting was a brand new experience for me!  After two paintings being outdoors with strong heat and sunlight, with annoying bugs, with my sweaty body and hands, with limited equipment, and with knowing how much less endurance a human body can take from the great nature’s test of heat and humidity, I realized my limit.  And I respect those who can do large paintings outdoors under severe weather conditions.    Can you imagine how the Group of Seven and Tom Thomson did their splendid paintings in the winter under minus 30 degrees?  That not only requires a healthy body but an extremely strong mind, plus great painting skills.

As for my paintings, I was quite happy with my small “sketchy” watercolour  paintings.  Being in an outdoor environment with fresh air, bright sun, flying bugs, and an authentic view of the natural environment — these are key things to enliven me!

Written Sept. 14, 2011.

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A window with a view (watercolour)
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Hillside (watercolour)
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The path to the villa (watercolour sketch)
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Flower pots (watercolour)
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Hill of yellow hay (watercolour)
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Flowers (watercolour)
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Hill far away (watercolour)
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靜與淨 / My Japanese Woodblock Prints

26/8/2014

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日本木刻版畫有著一種幽然的美感,  或許是樹木生命所付與木板的靈氣,  或許是水彩透明的質感,  加上印刷時使用人工的臂力透過日本手工製紙的樸質,  這些因素皆增添了西洋版畫無法表現的靜與淨的味道.

我用我家名為卡夫卡的貓做為我版畫印刷的主角許多次了.  我喜歡這個簡單的構圖,  貓兒望向繡球花 , 彷彿期待什麼或發現什麼.  我曾刻過一張鋁板, 這次 我將它刻在木頭上, 想試試日本木版印刷的效果.  這張是我試了十幾張印刷後最滿意的一張.  之前用的紫色背景水彩用到乾涸,  於是在潤浸微濕的和紙乾掉以前, 急急忙忙的調了深和淺兩種橘紅色, 結果出乎意外的,  給這景像帶來陽光似的溫暖!

每年春季課程我才有機會學到日本木刻版畫這門古老的藝術.  從木板上鑿出深而精細的溝紋要有一雙強而有力的手和幾把好的雕刻刀才足以應付.  我關節粗大的右手在使力一陣子之後彷彿更為腫大變形, 總要休息片刻, 否則連端咖啡杯都會抖 .  但是木頭的樸實在和木削的香氣令我著迷,  黑色墨水的魔力總在最後一刷時散發它的能量 瞬間擄獲我的心.  我持續學著這門藝術,  有時想的只是希望有一天我老到使不動印刷機時,  還可以自己在家刻木板, 用水彩, 黑墨和鞋刷和和紙 就可以繼續做版畫 .  同時有著一杯熱茶和一室的音樂,  或許還有一條狗或一隻貓!

這將是個美好的期待, 如同暖陽下的卡夫卡一般.

Japanese woodblock prints show the special beauty which cannot be shown in Western printmaking.   Maybe it’s the woodgrain; or maybe the quality of transparent watercolour as a printing media; or the strength of human arms that brushes the woodboard, penetrating the Japanese handmade paper: all those facts give the “clean & solitary” beauty to Japanese woodblock prints.

Kafka, my Cat, has been used as the main character in my prints.  I did one etching print of this simple yet interesting composition image.  I would like to try to carve this image into wood board and make Japanese Wood block prints.  After many test prints, with black ink image or violet background prints,  the orange background one, as the attached image,  is the last and best print that I tried to pull out in good paper last Wednesday.  The duo-toned orange colours bring a warm and sunny atmosphere to the whole image, surprising me!

I’ve only been practicing Japanese Woodblock Printmaking, the old traditional Japanese art technique, since the Spring term.  It requires a pair of strong hands and a few fine carving tools to carve and gauge the woodblock nicely and deeply.  From time to time, I have to rest my hand in between gauging the wood, otherwise I cannot even hold the cup when I need a drink of tea or coffee.  But the organic quality of the woodblock and the scent of the wood dust charms me very much.  The black ink is like magic which charms my heart the minute it shows on the paper.  I continuously learn from this art technique, simply because I have been thinking far ahead about how when I am too old to handle the heavy press, I can just do Japanese Wood block print at home.  I don’t need too much to make a print, just watercolor, black ink and shoes brushes and paper… and at the same time, I can have a cup of hot tea, in a room with music, with my dog or cat beside me.

It’s something to look forward to, just like Kafka under the sunshine in the mornings!

June 10, 2011.
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也屬必修 – 藝術工作安全規則

26/8/2014

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我工作的地方: 油料,壓克力,水桶和數筒的筆,加上吹風機照相機及書籍資料,只有我自己知道東西在哪裡, 美其言是典型的亂中有序. 以前我的黃金獵犬Penny還在時,最愛躺在我的畫架和工作台下方,擠得我絆腳絆手. 但是人對狗的耐心常超過自己的想像,我倒是對與自己工作時並存的”亂像”常搖頭嘆息,

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在許多充滿風采的藝術家照片中, 我們見到他們或她們戴著帽子套件”五彩”工作服, 或叼根煙, 或滿手油料, 咖啡杯就立在一堆瓶瓶罐罐中間, 地上畫架上任它們滴滿了油彩. 這是幅瀟灑不拘充滿創作熱情的影像, 但是, 現在, 放在我們的健康安全規則標準裡, 卻是危機處處潛伏在畫面中.

每學年開始, 學校會請來醫生及專家, 開一個安全規則講座. 他們可以舉無盡的例子, 告訴從事藝術的人, 如果你沒有安全和環保的觀念, 危害健康是件多麼輕而易舉的事. 美術學院中的意外及感染病, 名堂之多令人無法想像. 包括, 外傷: 全身皆可能碰到的刀傷割傷鋸傷, 眼耳鼻口被溶劑染傷灼傷. 內傷: 各種過敏, 呼吸器官受損, 接觸性感染. 肺病是最常聽見的慢性病, 更可怕的是腦神經漸漸被侵襲.

避免藝術創作職業病, 現在的藝術家環保意識有驚人的躍進, 畫室裡只要是易燃或化學成份重的使用過材料, 皆有丟棄處理的特別方法, 決不是隨手往垃圾桶一丟了事. 與任何場合一樣 保持新鮮空氣流通是第一要件, 急救包和沖洗劑放在固定的地方應急, 必要時護目鏡, 過濾口罩和手套要戴上. 要盡量養成好習慣不偷懶, 有’毒’的媒介要收在固定的地方, 選擇適合自己的材料創作, 我有老師和同學因為體質的關係, 只使用壓克力顏料和水彩, 捨棄油畫和版畫印刷. 購買材料時留意包裝上的資訊, 盡量避開污染環境和有害人體的材質, 以上這些都是應該遵守大原則.

但是有些小地方是屬無心之犯, 例如: 把畫筆筆桿咬在嘴上騰出手做別的事(我屬常犯), 拿筆桿攪拌紅茶咖啡, 拿刀片向裡切割東西, 手上沾上油料溶劑不立刻洗淨, 甚至圍裙從來不洗, 誤把洗筆水或油當咖啡紅茶喝. 最可怕易犯的意外是, 將化學媒介倒在自己的空容器內, 卻不標示清楚…匆促之間誤飲造成可怕的傷害.

想像以下這一幕: 有位專畫油畫的藝術家A先生, 下工前將所有的材料原地原樣的放著就像往常的每一天, 門一關走人. 第二天復工時, 端了杯咖啡進到畫室, 啜著咖啡望著昨天的成果, 心滿意足的叼了根煙點上了火. 此時, 只見一條火龍從遠處的瓶瓶罐罐間 迅速的朝他口中的那點星火撲飛而來. 這個可怕的結果可想而知, 而原因卻是出乎意料的, 那是無色無味的油氣漂浮在空中, 形成了最佳的引燃劑.

我自從聽了這位A先生的故事後, 再也不敢把混合劑攤在桌上不封口任它們放著許多天. 我自己雖然留意, 盡量保持創作環境的空氣暢通, 洗器具油畫筆時提醒自己戴上手套, 但創作時的一股勁也常讓我大意或怕麻煩. 加上不斷的洗手洗器具, 因此我的双手總是粗糙乾裂, 常年的發炎結痂, 我的双肩及背部, 總因背重物摩擦而發紅發癢. 瘀青時常在手腿四肢不經意間冒出來. 有時不知用了什麼, 會引起微微的氣喘和頭痛. 腰酸背痛更是不曾遠離. 從事藝術工作與其他行業無異, 有其工作環境症候群, 大概誰都無法避免其一二.

對來上課的學生TSA有相同的嚴格的要求. 我個人受學校的影響, 漸漸的避開有氣味的媒介, 決不碰有骷髏頭標誌的用品. 雖然我還是有點懷念那松節油才有的特殊味道. TSA規定每個學生在畢業前一定要聽過這個講座. 我第二年聽過之後, 頓然覺醒, 才知為什麼這安全講座同屬必要學分.

最後, 講個笑話: 在幾次聚會的場合裡, 與我不熟識的人會和我聊到創作之路的甘苦. 有人見到我青筋浮現皮膚粗糙的手, 吃驚的問: 妳從小做了什麼? 怎麼手像個做工的. 我眨眨眼平靜的說, 喔! 從小就得幫忙家裡做很多事啊! 譬如: 洗衣燒飯刷地板! 還有: 放牛! 朋友們更驚了, 直呼真的嗎? 然後語帶同情的說: 好辛苦喔! 難怪手那麼粗. 他們居然都相信了!

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第二年再聽講座時,是在上了一整天的課之後.我坐在後排準備早走趕火車,講座開始一陣子,就見前面有人呵欠連連打起瞌睡,為了避免同樣的事發生在我身上,我拿出寫生本邊聽邊畫,.留下這個畫面.

Oct. 2009

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有中生無, 無中生有 (抽象畫 / Abstraction)

26/8/2014

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By Linda Chen, Acrylic on watercolor paper, 24”X30”
市景,倒影,光線,浮動的空間,景伸的視覺,協調的色彩. 同學們有各種評論. 而我,只想暢快的表達我心中的影像. 這大概是上了二十四堂後,我最滿意的作品.

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當年替這派畫風譯的名, 是絕妙. “抽象”- 將具象抽掉, 沒有實際物體形象. 很玄吧! 那成了什麼呢? 有位專業藝術家的解說是: “抽象畫,是畫家憑主觀與想像,不重視具體的物象,脫離再現的意圖所表現的一種畫法。其形象與自然形象完全不相似,有時帶有幾何形體或設計觀念”第三年, 我選擇了這堂有趣的課, 建立了一個不同的創造空間和思維方式.

對許多人來說, 認為靜物風景人像畫沒創意, 有太多傳統和技巧的包袱要背. 在許多層面上也是如此. 以一個新手, 我經過二十四堂課的練習之後, 從許多的掙扎裡, 終於學到, 了不起的抽象畫作來自於深厚的基礎繪畫根底. 沒有具象主題, 一幅抽象畫裡, 構圖的平衡, 視覺的景伸和顏色的協調成了必然的要素. 要創造出一幅令人駐足凝神觀賞的抽象畫是不容易達到的.

話說我的第一堂課, 令我難忘, 對著老師擺出來的一堆靜物, 我在空白的畫布前遲遲無法下筆. 以我畫畫的風格, 不畫眼前的東西, 那要畫什麼呢? 只看著有多年經驗的同學, 先速寫幾張不同的構圖直到滿意了才下筆, 兩小時後呈現在我眼前的, 是一幅似像又不像或與實景跟本無關的幾何圖形. 我很窘, 因為我的結果就是畫了眼前的靜物. 老師大概看不下去了, 拿起紙筆示範如何”打破”我的傳統繪畫”框架”, 好似你愛畫什麼就畫什麼. 突發意想更顯’創意, 彷彿將有形的物象變不見, 而在無形之間創新象, 這新象也可以是”心象”, 因為”象由心生”, 你看或想它是什麼, 它就可以是什麼!

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這大概是我感到最輕鬆愉悅的一堂繪畫課, 沒有絕對的精準測量, 沒有許多美術創作的規範. 這堂課的老師教課輕鬆而充滿創意 “表現熱情, 給我動感”是他最常掛在嘴邊的話. 他時常拿著一杯咖啡遊走在畫架之間, 給學生們批評建議, 然而他也會誠實的說或許抽象畫不是屬於某些人. 每堂課老師會給一個主題外加一些實物或照片, 例如: 透明感和玻璃瓶, 律動感和腳踏車, 來啟發茫茫然無所從的學生, 思考成了創作抽象的必然前奏曲.

從學習抽象畫的過程裡, 我真實的體會出, 當抽象大師的不易. 畢卡索說他是小孩時就可以畫得比大人好, 但是他卻花了一輩子的時間, 想畫得跟小孩子一樣. 相對的, 欣賞抽象畫是須要練習的, 在美術館的許多參觀者, 看抽象畫是件無聊到頭痛的事. 上過課之後, 我知道如何看那以前許多看不懂或看不下去的畫, 現在參觀畫展比以前有趣多了.

這堂課開啟了我的抽象之旅. 抽象畫”解放”了我, 讓我放行而後有振翅飛翔的衝動. 我漸漸的悟出一點門道, 讓我從慣有的寫實畫風中剝離. 最有趣的發展在於, 當我再回到人物靜物寫生時, 筆觸也淨化而輕鬆起來. 我打算今年的課修完後, 回到抽象畫的課堂中繼續進修, 與掙扎!

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就是這張畫在第一堂課讓我受困,現在看來不覺莞爾.難怪老師斟酌許久只擠出了一句話,顏色不錯!

中間的兩幅,一張主題是冰融春到,另一張我想不出確切的主旨,但是看來像光影與空間的追逐景色.

Oct. 2009

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